Gli 8 segreti del fotografo che vende più di tutti nel mondo: Yuri Arcurs

Cultor College



Gli 8 segreti del fotografo
che vende più di tutti nel mondo

di Yuri Arcurs


L'Autore:

Yuri Arcurs, è il fotografo di maggior successo al mondo: vende oltre 2 milioni di licenze di singole immagini all'anno (circa 2.000 al giorno). Tra i suoi clienti Time Magazine, MTV, Sony, MSN.com, Microsoft, Canon, Samsung, Hewlett Packard, Late Night Show, Scientific American, Der Spiegel, Manfrotto e molti altri.

Grazie al suo successo nel regno relativamente nuovo del microstock è stato votato come uno dei fotografi più influenti di questo decennio dalla rivista PDN.
Estremamente scrupoloso, Yuri recentemente è entrato a far parte di un piccolo gruppo di fotografi, selezionati con cura, sponsorizzato da Hasselblad.

La Yuri Arcurs Photography inc. ha la sua sede centrale in Danimarca dove si avvale di uno staff di dodici persone, mentre altre 30 lavorano in tre dipartimenti distaccati in Sud Africa, India e Stati Uniti.
Yuri, che ha conseguito una laurea in Psicologia, risiede in campagna in Danimarca, ma trascorre tre mesi all'anno alle Hawaii, Norvegia o Sud Africa. Oltre alle sue fotografie di stock, crea programmi gratuiti per fotografi (il suo programma di keyword è stato un grande successo nel settore), scrive guide e manuali di fotografia e tiene numerose conferenze.
Il suo blog attira migliaia di visitatori ogni giorno. A parte il microstock, ora lavora solo con i progetti legati alla beneficenza e non accetta più incarichi commerciali.
Ex membro delle forze speciali danesi, corre la maratona di 100 km, e un membro del suo staff lo ha descritto: "Fastidiosamente vicino ad essere un perfezionista patologico".

In questo articolo, Yuri spiega ai lettori di Cultor
, 8 suggerimenti per avere successo come fotografo: infatti non si deve essere necessariamente un pro per scattare foto da professionista.


1. Imparare a vedere ed inquadrare i vostri livelli percettivi

Cosa significa questo? Una fotocamera si concentrerà solo su un elemento, quelli che stanno dietro e davanti a questo oggetto possono essere essere visti come livelli: primo piano, punto focale e livello di sfondo.

Le relazioni tra questi livelli spesso sono ciò che rende le immagini interessanti. Se esaminate le immagini fotogiornalistiche che hanno ricevuto dei premi, potrete vedere una somiglianza impressionante: tutti i livelli interagiscono perfettamente e, in un modo o nell'altro, completano o integrano il senso o l'idea del'immagine.

Le grandi immagini hanno molti livelli che "parlano" tra loro. Durante le riprese di fotogiornalismo della vita reale, questo è uno degli aspetti più difficili da padroneggiare, richiedendo molteplici capacità.

Quando si scatta la fotografia commerciale, pensare a strati può essere utilizzato come strumento per completare l'immagine.

Il livello di sfondo è spesso trascurato dai fotografi amatoriali o manca del tutto, ma costruendo passo dopo passo i vostri livelli si può ottenere un vantaggio competitivo rispetto ad altri fotografi.

Si noti come la prima foto sembra un vero e proprio concerto, allora date un'occhiata alla foto a destra. Non è un concerto, sono solo 23 persone, ma facendo attenzione ai livelli di primo piano e sfondo, lo scatto finale appare come un vero e proprio concerto.


2. Pensa all'"icona"
L'immagine che avete in mente sarà ancora la stessa quando verrà visualizzata con le dimensioni di una piccola icona o se vista solo per un quarto di secondo? Si riuscirà ancora a decifrare cosa sta succedendo nella foto?

Eccellenti scatti commerciali hanno questa caratteristica e usano illuminazione e colori differenti per creare contrasti tra gli elementi dell'immagine.

Nella vita quotidiana, in rapida evoluzione, è necessario creare immagini che vadano dritte al punto. Nella fotografia di stock, l'effetto "icona" è l'essenza per far risaltare la tua immagine. Troppi ostacoli ed elementi di design faranno confusione riducendo di molto l'effetto "icona".

Scegli con cura ciò che vuoi in primo piano e i tuoi livelli di sfondo, in modo da non creare confusione e disordine.
Ecco un esempio di come modificare le nostre foto. Notate come togliendo un sacco di elementi di distrazione si renda l'effetto "icona" in modo molto più forte.

3. Utilizzare gli stereotipi

Durante la lettura delle prossime righe, cercate di fare esattamente quello che dico, altrimenti non potrete afferrare il messaggio. Calcolate a mente 6x6, aggiungete 14 quindi sottraete 50. State seguendo ...?

Ora pensate ad un utensile a mano. Immaginatelo nella vostra mente. Poi pensate a un colore. Chiudete gli occhi e immaginate anche questo colore.

Ora, se si appartiene al 95% della popolazione normale, avrete pensato ad un martello e al colore rosso. Questo perchè il martello e il colore rosso sono stereotipi delle categorie "utensili a mano" e "colori".

Utilizzate conoscenze come questa per rafforzare il vostro "effetto Icona".

Se le persone hanno solo una frazione di secondo di osservazione, siate saggi ed utilizzate gli stereotipi, così la gente potrà facilmente individuare gli elementi della vostra immagine. Identificare gli stereotipi non deve essere più difficile che usare il buon senso.

Nella categoria dei 'classici di bellezza femminile', ad esempio, Marilyn Monroe sarebbe probabilmente un buon candidato per uno stereotipo, tranne che lei è piuttosto difficile da fotografare, ma avete capito il punto.

Il colore di questa chitarra è stato scelto con grande cura. Se fosse stato nero o di qualsiasi altro colore più scuro, sarebbe semplicemente scomparso tra la folla. La scelta di una chitarra bianca fa risaltare e diventare iconica anche una piccola anteprima, che risulta abbastanza chiara come si vede in questa immagine.


4. Approfittate della natura umana di base

Se voglio impressionare un cliente davvero molto esigente, io uso un po' della mia esperienza in psicologia per trovare la via di uno scatto efficace.

Le persone, in una foto, generalmente tendono a privilegiare tre cose: umorismo, cose straordinarie e simbolismi contrastanti.

Simbolismi contrastanti si hanno quando due opposti si scontrano e creano ironia: un prete che fa taccheggio, o un uomo magro vicino ad uno grasso.

E' semplice, ma funziona come tutto ciò che racconta una storia sull'ironia e la diversità della vita quotidiana. Provate ad immaginare una foto che vi piaccia, che non abbia una o più di queste caratteristiche.

Per trovare i simbolismi contrastanti bisogna pensare e programmare, ma se si riesce, l'immagine che si ottiene diventerà un vero e proprio cattura-occhio.

Per cose straordinarie penso ad immagini mistiche, strane e curiose. A volte mentre lavoro potrete sentirmi dire alla mia stilista: "Questa configurazione non è abbastanza strana, rendiamola più bizzarra".

L'essere umano è affascinato dalle cose straordinarie, in modo da torcere, piegare e rendere strana la realtà per uno scatto di effetto sicuro.

Si noti la mistica utilizzata per questo scatto.

5. Evitare la composizione conservatrice

Tecnicamente parlando, le regole di composizione e i manuali ti diranno di seguire fedelmente i principi della composizione: non tagliare la fronte nei ritratti, scattare foto standard solo con tutte le parti degli elementi dell'immagine all'interno della cornice e così via. Che noia! Non ascoltare queste sciocchezze!

Ognuna delle mie fotografie più riuscite è composta direttamente in opposizione alle regole dei manuali e, spesso, sono tagliate.

Esperimento! Scattate dall'alto, dal basso e seguite le vostre sensazioni, invece delle regole.

Nel corso degli anni il vostro senso della composizione crescerà e si formerà a modo vostro, aggiungendo un tocco e una firma personale a tutte le vostre immagini.

Questa foto ha un riflesso della lente e una composizione che farebbe inorridire un revisore appena addestrato. Ha anche alte luci troppo forti ed orizzonte inclinato e il fuoco è solo su un paio di occhi. La testa del giovane è tagliata. In molti modi questa foto è "merda da manuale", ma è comunque molto più interessante di tutto il materiale di base.


6. Istruire e dire "stop"

L'istruzione è tutto! Se il modello non sa che cosa volete dal vostro scatto semplicemente non potrà aiutarvi. La maggior parte dei buoni modelli conoscono i loro profili migliori e, non appena vedono una macchina fotografica, si mettono in posa. Fermate queste montagne russe di movimenti e coinvolgeteli in una situazione che li faccia sembrare esseri umani!

Durante le riprese con più di una persona, si dovrebbe cercare di coinvolgerli in una conversazione e interazione reale e dire loro "STOP" quando si vuole scattare la foto. Questo metodo è ideale per ottenere le immagini che non sembrino artificiali.

Nel fare foto di lavoro o ritratti personali, spesso impegno i miei modelli in giochi come scrivere una storia insieme, il primo inizia inventando le prime due righe, il seguente altre due ed ecco che, improvvisamente, si stanno divertendo, si rilassano, dandomi l'opportunità di creare grandi immagini.


7. Essere eccessivamente produttivi

Il mio assistente senior, che è un fotogiornalista, mi si è avvicinato l'altro giorno dopo aver fatto un servizio di backstage ad un concerto di una rock band danese, e mi ha detto: "Io non capisco affatto ... tutti gli altri fotografi erano seduti in giro con le loro macchine fotografiche e parlavano ... e lo so per certo perchè li ho visti attraverso il mio mirino".

Il mio assistente ha visto l'intero concerto attraverso la sua macchina fotografica e ha realizzato più di 1300 file RAW in tre ore con la 1Ds. Non importa quanto talento uno abbia, ci vogliono immagini - e molte - per ottenere grandi scatti.

Scatta come un matto, soprattutto se si hai un tempo limitato con i modelli o la location.

In una buona giornata di riprese sono talvolta in grado di ottenere un tasso di conversione di circa il 3-4% delle mie foto RAW, tra imagini scattate e prodotto scelto e finito.

Utilizzare queste percentuali è molto utile, perchè ti porta ad accettare una conclusione molto convincente, che più immagini RAW si producono, tanta più scelta e qualità ci sarà sul prodotto finale.

Questa deduzione è ingenuamente semplice e potrebbe essere contestata in molti modi, ma ha un certo grado di verità inevitabile; stando seduti a parlare, o rimanendo improduttivi rinunciando anche solo ad uno scatto, si può essere sicuri di perdere quella finestra di opportunità che appunto esercita ogni singolo scatto.


8. Non bisogna mai accontentarsi di niente di meno

Qui a fianco si vede un taglio di uno dei miei scatti di studio (tratto dall'immagine in basso).

Non ci deve essere bisogno di definire ulteriormente le tue foto, creando artefatti per farle sembrare vive (a condizione che si utilizzino lenti di alta qualità).

Questo taglio non ha ritocchi, questo vuol dire che bisogna usare macchine che consentano una risoluzione come questa, senza dover ricorrere ad innaturali post-produzioni.

La maggior parte dei fotografi che sono stati educati a scattare in analogico si sono spostati verso il digitale, ma molti hanno fatto questo cambiamento del loro flusso di lavoro con nessuna educazione o quasi nessuna conoscenza del digitale.

Ora questo mi disturba un po' perchè molti di questi fotografi hanno una considerazione molto alta di se stessi, ma in realtà non sanno assolutamente nulla del flusso di lavoro digitale e sono troppo orgogliosi e "artisti" per curarsi di fenomeni come gli artifacts, banding, i file tiff ecc..

Guardatevi bene da comportarvi in questa maniera, fate sì che la vostra preparazione sul digitale sia aggiornatissima.

In pochi anni lo standard digitale salirà ulteriormente e allora sarete preparati. Un aiuto supplementare per imparare è usare le risorse della rete come Lynda.com o la mia homepage: www.arcurs.com


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Questo articolo è apparso originariamente su crestock.com ed è stato tradotto grazie alla collaborazione di Yuri Arcurs.


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Last modified: March 14 -2016