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La rappresentazione di uno stesso oggetto pittorico in diversi momenti con l’obiettivo di osservare i cambiamenti causati dalla luce naturale non era nuova per Monet, che tra il 1890 e il 1891 aveva già creato una serie di 15 tele raffiguranti un gruppo di covoni di fieno nella periferia di Giverny. Questi covoni sono dipinti sotto il sole estivo, al tramonto o al crepuscolo, alla fine dell’estate, in pieno inverno o all’inizio della primavera. Questi lavori devono essere visti più come un interesse per la natura dinamica che per una teoria pittorica-scientifica (Monet stesso ha dichiarato “ho sempre odiato quelle terribili teorie”).
La serie è stata elogiata dalla critica, risultando anche un grande successo commerciale. Wassily Kandinsky aveva avuto l’opportunità di vedere uno di questi covoni di fieno, in una mostra a Mosca 1895, ed era rimasto impressionato al punto di indicarlo come prima pittura astratta della storia dell’arte: “E all’improvviso, per la prima volta, ho visto una foto. Ho letto nel catalogo che era un pagliaio, ma non riuscivo a riconoscerlo.
Ho capito che l’oggetto della foto mancava.

Quello che era perfettamente presente è stata l’insospettabile e fino ad allora nascosta potenza della tavolozza.“

Risulta evidente che tra le 31 tele di questa serie vi sono più differenze di quelle causate dalle diverse condizioni di luce e di atmosfera. Monet ha scelto cinque diversi punti di vista: due dalla piazza e da tre diverse stanze del palazzo di fronte alla Cattedrale, per rappresentare il portale (frontalmente o con il punto di vista leggermente spostato a destra), il portone e la torre Albane (a sinistra del portale centrale), ma sempre conservando quel punto di vista insolitamente vicino. Venticinque di questi punti di vista sono datati 1894, un altro 1893, e cinque sono firmati ma non datati. Tuttavia, poichè Monet ha completato la maggior parte dei lavori nel suo laboratorio, è più importante la data in cui ogni tela è stata iniziata (per lo più il 1892 e il 1893). La scelta della tavolozza riflette le tonalità differenti in cui la luce del giorno tinteggia la facciata del Duomo: il blu morbido del mattino (fig. 2 e 3), l’ocra vivido con riflessi dorati nelle immagini in pieno sole (Fig. 4, 5, 6 e 7) e i marroni e i grigi delle giornate nuvolose (Fig. 8 e 9).

Contrariamente a molti altri audaci progetti impressionisti, la serie della Cattedrale ha goduto di accettazione immediata tra i critici e collezionisti.
“Monet fa sì che anche le pietre prendano vita”, ha dichiarato lo scrittore Georges Clemenceau. Nel maggio 1895 Monet ha selezionato 20 tele da esporre nella galleria del suo amico, il mercante d’arte Durand-Ruel. A dispetto del prezzo elevato di ognuna, tra 12,000 e 15,000 franchi, la vendita è stata un enorme successo. Oltre un secolo più tardi, il successo è continuato: nel maggio del 2000, una di queste tele, all’asta Sotheby’s (Le portail, soleil) è stata venduta per più di 24 milioni di dollari.

Le riflessioni migliori su questa serie possono essere trovate in una lettera che lo stesso Monet inviò all’amico Clemenceau, rivelando che “ho sempre osservato ciò che il mondo mi ha mostrato, solo per darne testimonianza nei miei quadri”. Da parte sua, Clemenceau, in un saggio sulla visione intitolato Pan e datato 1896, ha scritto, riferendosi alle cattedrali di Monet: “Di fronte alla ventina di viste della costruzione di Monet, ci si accorge che l’arte, nella sua persistenza di esprimere con sempre maggior esattezza la natura, ci insegna a guardare, a percepire, a sentire. La pietra si è trasformata in una sostanza organica, e si può percepire come cambia nello stesso modo in cui un fugace momento della vita è seguito da un altro. I venti capitoli di campioni di luce in evoluzione sono stati sapientemente scelti per creare un orientamento ordinato di questa evoluzione. Il grande tempio è di per sé un testamento del sole unificante, e manda la sua massa contro la luminosità del cielo “

Anche se Monet, nella serie dei Pioppi, mostra il suo maggior livello di lirismo e nel gruppo Ninfee raggiunge risultati che vanno ben al di là del puro impressionismo, che definisce l’astrazione, la serie di vedute della facciata della cattedrale di Rouen è il punto algido dell’impressionismo.
Più di un secolo dopo, dispersi tra vari musei e collezioni private del mondo, principalmente in Francia e negli Stati Uniti, i quadri della collezione della Cattedrale sono, oltre che capolavori ambiti da qualsiasi museo o collezionista d’arte, la migliore testimonianza pittorica del coraggio incomparabile dell’Impressionismo.