Cultor College

Alcune sue Photo Gallery

Linea

Una linea rappresenta un "percorso" tra due punti. Può essere retta, curva, verticale, orizzontale, diagonale, o a zig-zag.
Linea implica movimento e suggerisce orientamento e direzione. Una linea può essere anche implicita, creata dalla mente quando vari punti sono posizionati geometricamente all'interno di una cornice.
Posizionare quattro punti su una pagina come vertici di un quadrato può implicare che i punti siano collegati in quanto la mente cerca, e ricostruisce, modelli riconoscibili (in questo caso il quadrato). La direzione e l'orientamento di una linea possono anche implicare determinati sentimenti. Le linee orizzontali ispirano tranquillità e riposo, quelle verticali evocano potenza e forza, mentre linee oblique implicano movimento, azione e cambiamento.
Le linee curve o a forma di S sottintendono calma e sentimenti sensuali. Le linee che convergono implicano profondità, scala e distanza: un muro o una strada che convergono in lontananza creano l'illusione che un'immagine piatta e bidimensionale sia tridimensionale. La linea è un elemento efficace del design perchè può indirizzare l'occhio dello spettatore. Per creare fotografie più efficaci bisogna quindi cercare e organizzare le linee attraverso il vostro mirino per richiamare sensazioni e sentimenti specifici.

Spazio positivo e negativo

Positivo è lo spazio dove esistono figure e forme; spazio negativo è lo spazio vuoto intorno a figure e forme. Nella foto in basso l'area nera è lo spazio negativo e serve a bilanciare l'area occupata dalla roccia e dalla marmotta. Aree di una foto che contengono il "nulla" sono importanti elementi visivi che forniscono equilibrio ad un'immagine.

Forma - Luce e Ombra

La forma è in relazione alla qualità tridimensionale di un oggetto, che è dovuta in parte alla luce e alle aree scure. Quando la luce colpisce un oggetto da una sola direzione (ad esempio il sole), parte di questo oggetto è in ombra. Il contrasto tra luce e aree scure all'interno di un immagine può suggerire il volume. Fattori che possono influenzare i nostri sentimenti verso un'immagine comprendono la direzione della fonte di luce, dall'alto o dal basso e la dolcezza o repentinità dei mezzi toni.

La luce proveniente da dietro può formare una silhouette del soggetto facendolo risultare completamente nero nei confronti di un colore più chiaro di sfondo. Queste silhouettes appaiono come figure bidimensionali prive di profondità. L'assenza del colore esalta spesso la nostra percezione della forma, ad esempio, nelle fotografie in bianco e nero. La luce emessa dall'alto e di lato, quando applicata ai ritratti, crea ciò che è spesso definito come "illuminazione Rembrandt" (Leggi l'articolo specifico). Questa forma di illuminazione sottolinea bordi e profondità. Nella fotografie di paesaggi l'illuminazione obliqua, che si verifica all'inizio e alla fine della giornata, esalta la naturale struttura del paesaggio ed è spesso accompagnata da ombre calde o fredde.

Colore

C'è stata una enorme quantità di ricerche su come il colore colpisca gli esseri umani e alcuni di questi studi suggeriscono che uomini e donne possano rispondere ai colori in modo diverso. Il colore ci tocca emotivamente, evocando quindi emozioni differenti.
In breve il colore ha la capacità di colpire il sistema nervoso umano.

Il vocabolario dei colori comprende:

Tinta: si riferisce ai nomi dei colori primari, rosso, verde e blu.
Valore: la quantità di bianco o nero aggiunto al colore.
Intensità: la purezza o la saturazione del colore
Colore Monocromatico: utilizza tinte e sfumature di una sola tonalità

Nella foto a fianco verde e giallo sono colori analoghi che si armonizzano mentre il colore viola dei fiori appare più intenso su uno sfondo di colore complementare.

Questi contrasti sono relativi perchè giallo-verde risulta freddo se accanto al rosso, arancione o giallo, ma è considerato caldo accanto al blu-violetto. I fotografi possono cercare di posizionare i diversi colori in un'immagine, massimizzando il contrasto tra di loro e incrementando anche la prospettiva. Percettivamente, infatti, i colori freddi tendono ad attenuarsi nella distanza mentre i colori caldi sembrano avanzare (vedi immagine sopra):
"Loaf Mountain" il caldo bagliore dell'alba avanza, mentre le ombre fredde del blu sembrano allontanarsi.

La trama si riferisce alla qualità della superficie o alla "sensazione" tattile di un oggetto: liscio, ruvido, morbido ecc. Questa sensazione può essere effettiva (velluto) o implicita (suggerita dal modo in cui un artista ha creato l'opera). La trama spesso è sottolineata dalla luce obliqua che colpisce gli oggetti da un lato.

Organizzare i vari elementi all'interno della cornice del mirino, al fine di creare un design efficace, è più impegnativo di quanto possa sembrare a prima vista. Un pittore può posizionare gli elementi dove vuole, mentre un fotografo deve cercare, trovare e organizzare gli elementi visivi all'interno del mirino della fotocamera. Anche se un fotografo a volte può "disporre" gli oggetti anche in un ambiente naturale, come ad esempio delle foglie, questo si traduce spesso in una immagine artificiosa. La natura non è perfetta e variazioni all'interno dell'organizzazione portano ad un maggiore interesse. La composizione delle immagini naturali è sempre un equilibrio tra l'organizzazione degli elementi all'interno del mirino permettendo una certa quantità di disordine.

I processi decisionali che si fanno quando si scatta una fotografia iniziano, anzitutto, con la capacità di valutare le diverse possibilità. Ciò che vediamo dipende da quello che ci interessa, quello che stiamo cercando e che cosa le nostre menti sono pronte a mostrarci. Vedere, in breve, coinvolge la mente e la nostra memoria tanto quanto i nostri occhi. Migliorare la nostra sensibilità visiva richiede una mente tranquilla, rilassamento e preparazione, imparando il più possibile sui nostri soggetti preferiti. Quando vediamo cose che sono interessanti, allora abbiamo bisogno di isolare parti della scena e di organizzare gli elementi importanti nel nostro mirino per comunicare efficacemente, in maniera visiva, come li percepiamo emotivamente.

Coerenza

Per coerenza si intende la sintonia tra le varie parti dell'opera. In realtà queste parti possono essere indipendenti ma, entro i confini dell'immagine, i colori, le forme, le dimensioni devono avere un senso di unità. La coerenza visiva può essere raggiunta attraverso l'uso di colori analoghi e tonalità di colore. Si può anche raggiungere attraverso somiglianza di forma, dimensione, colore o consistenza. Tuttavia troppa uniformità può portare alla noia, quindi abbiamo bisogno di alcune variazioni per aggiungere interesse all'immagine.

Equilibrio

Equilibrio implica che gli elementi visivi all'interno della struttura abbiano un peso. Oggetti di grandi dimensioni generalmente pesano più di quelli piccoli e oggetti scuri pesano più di quelli luminosi o colorati. La posizione degli elementi è anche critica, noi inconsapevolmente vediamo il centro di una foto come un fulcro. Un grosso peso su un lato può essere bilanciato da un peso più leggero sul lato opposto se il peso più leggero si trova a una distanza maggiore dal fulcro.

Un altro modo per raggiungere l'equilibrio è attraverso la simmetria. Riflessioni del paesaggio in acque ferme sono un esempio di simmetria quasi perfetta. Le riflessioni possono assumere un carattere astratto che assomiglia alle macchie del test di Rorschach.

Le figure del Rorschach sono state create piegando un pezzo di carta con macchie di inchiostro in modo tale da formare uno schema simmetrico.

Proporzione - Sezione aurea e regola dei terzi

La proporzione si riferisce al rapporto dimensionale degli elementi visivi tra loro e rispetto all'immagine complessiva. Una delle ragioni per cui la proporzione è considerata importante nella composizione è che gli spettatori rispondono ad essa emotivamente. La proporzione è stata determinante nell'arte per centinaia di anni, molto prima che la fotografia fosse inventata. Una proporzione che è frequentemente utilizzata nel design è la sezione aurea o rapporto aureo.

Sezione aurea: 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34 ecc (Sequenza di Fibonacci). Ogni numero successivo dopo l'1 è uguale alla somma dei due numeri precedenti. La proporzione tra loro 1:1,618 è chiamata sezione aurea. Se dividete ogni finestra più piccola di nuovo con lo stesso rapporto e unite con una linea i vertici ottenete una spirale logaritmica. Questa spirale è un motivo che si trova frequentemente in natura in conchiglie, corna, fiori ecc.

La Sezione Aurea si trova spesso in natura e probabilmente gli esseri umani sono geneticamente programmati per percepire questo rapporto come piacevole.

Grandi artisti come Leonardo da Vinci, hanno usato spesso questa regola per le loro opere.

Molti fotografi ed artisti sono consapevoli della regola dei terzi che divide una foto verticalmente e orizzontalmente in tre sezioni con le linee e i punti di intersezione che rappresentano le posizioni importanti degli elementi visivi. Il rapporto aureo e la sua applicazione sono simili anche se il rapporto aureo non è così conosciuto ed i suoi punti di intersezione sono più vicini. Spostare l'orizzonte di un paesaggio nella posizione di un terzo è spesso più efficace che piazzarlo nel mezzo; ma potrebbe anche essere collocato vicino al fondo o in un quarto o sesto dell'inquadratura, infatti non c'è nulla di obbligatorio nell'applicazione della regola dei terzi. Nell'immissione di elementi visivi per la composizione effettiva, bisogna valutare molti fattori tra cui il colore, la posizione dominante, assicurandosi che le dimensioni e l'equilibrio siano proporzionati. Spesso una certa quantità di squilibrio o di tensione può anche rendere un'immagine più efficace. La realizzazione finale dipende dall'intuizione degli artisti e dai loro sentimenti per l'oggetto del loro lavoro. Ognuno di noi è unico e quindi dobbiamo sforzarci di conservare e manifestare i sentimenti e le sensazioni che ci ha suscitato il soggetto che fotografiamo.