Oltre Cézanne
Una rassegna sul maestro che ha ispirato
il Cubismo e le avanguardie artistiche del 900
di Adrianne O. Bratis
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L'autrice:
Adrianne O. Bratis è una ricercatrice al Philadelphia Museum of Art, presso il dipartimento di pittura europea anteriore al 1900. Per questo museo ha curato la mostra su Cézanne, e le sue influenze artistiche, per cui è stato preparato questo saggio.
In precedenza ha lavorato al Mingei International Museum.
Ha studiato alla Columbia e alla Cornell University negli Stati Uniti.
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Un anno dopo la morte di Paul Cézanne nel 1906, il Salone d'Automne di Parigi organizzò una retrospettiva dei lavori dell'artista, esponendo cinquantasei quadri ed alcuni acquerelli. Fu uno dei momenti chiave nella storia dell'arte.
L'inclusione dei suoi lavori, nel 1913, all'Armory Show di New York offrì anche agli artisti americani una nuova fonte di ispirazione. Cézanne, infatti, ha svolto un ruolo fondamentale nella storia del modernismo e per molti artisti, l'impatto con il suo lavoro ha prodotto un'impressione profonda e durevole.
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Paul Cézanne (1839-1906), Le grandi bagnanti, 1906. Olio su tela, cm x 82-7/8 98-3/4. Philadelphia Museum of Art, acquistato con il Wilstach WP Fund.
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La sua visione artistica ha anticipato il cubismo e alimentato un serie di movimenti artistici successivi.
Una mostra, Cézanne e oltre, al Philadelphia Museum of Art, ha esaminato il cambiamento epocale provocato da questa figura cardine, studiandolo come catalizzatore e pietra di paragone per gli artisti che lo hanno seguito, modellando il loro sviluppo creativo.
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Pablo Picasso (1881-1973), Le Bagnanti, 1956. Bronzo, dimensioni variabili. Kykuit, National Trust for Historic Preservation, lascito Nelson A. Rockefeller.
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I sedici artisti inclusi nella mostra: Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque, Piet Mondrian, Marsden Hartley, Charles Demuth, Fernand Lèger, Giorgio Morandi, Liubov Popova, Max Beckmann, Alberto Giacometti, Arshile Gorky, Ellsworth Kelly, Jasper Johns, Brice Marden e Jeff Wall hanno tutti studiato a più riprese il lavoro di Cézanne, mentre formavano la loro identità artistica.
Tutti questi maestri ci offrono nuove lenti attraverso le quali esaminare Cézanne. Guardando attraverso sedici paia di occhi, comprendiamo Cézanne il colorista, lo strutturalista, l'astrattista, possiamo esaminare i suoi moltepliciti motivi, i suoi sforzi continui per conseguire la pittura perfetta, il suo umorismo e la sua arguzia.
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Picasso maturò familiarità con il lavoro di Cézanne fin dalle sue prime visite a Parigi all'inizio del Novecento, invocando il Maestro ripetutamente per tutta la sua lunga e variegata carriera.
Le "Bagnanti", in particolare, hanno avuto un impatto enorme su Picasso.
Già nel 1905, il giovane artista acquistò una litografia di Cézanne basata sulle "Bagnanti a riposo" (ora nella collezione della Fondazione Barnes) esponendola nel suo atelier per studiarla e commentarla insieme agli altri artisti che lo andavano a trovare.
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Pablo Picasso (1881-1973), Le Bagnanti, 1956. Bronzo, dimensioni variabili. Kykuit, National Trust for Historic Preservation, Lascito Nelson A. Rockefeller.
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Quando poi visitò la retrospettiva di Cézanne al Salon d'Automne, vide le "Grandi bagnanti" e ne subì un influsso ancor più duraturo.
Forse Picasso vide il dipinto anche prima, in quanto generò un'affascinante relazione con il suo capolavoro "Les Demoiselles d'Avignon" dipinto nei primi mesi del 1907.
Il posizionamento delle figure, la compressione dello spazio sulla superficie piana e la monumentalità del dipinto, tutto evoca la pittura del tardo Cézanne, collegando i due inscindibilmente insieme.
Quasi cinquant'anni dopo, Picasso acquistò il quadro "Cinque bagnanti" (1877-1878) di Cézanne e poco dopo cominciò a creare figure scultoree, inchiodando insieme pezzi di legno per realizzare un gruppo di bagnanti in piedi (vedi immagini sopra).
Più tardi fuse in bronzo queste bagnanti come se fossero riunite, sulla riva di un fiume ad osservare il guado di una di loro. Questo gruppo evoca la grande tela "Bagnanti" le figure sono serie e statiche, solitarie ed individuali, anche se stanno insieme in un gruppo, e l'ambiguità dello spazio all'interno di ogni pezzo invita lo spettatore a scoprire le sue sfaccettature in modo fisico.
Il tema classico delle bagnanti assume un nuovo significato nelle mani di ogni artista, con Picasso che ha portato avanti le indagini di Cézanne per raggiungere i suoi obiettivi nel ventesimo secolo.
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L'interazione di Matisse, con il lavoro di Cézanne si ebbe abbastanza presto, quando vide i suoi quadri a Parigi alla Galleria Ambroise Vollard e presso il Museo del Lussemburgo, nel 1890.
Nel 1899, Matisse aveva acquistato il suo primo quadro di Cézanne, il fondamentale "Tre bagnanti" (1879-1882), uno dei dipinti più importanti di Cézanne su questo soggetto.
Sacrificandosi parecchio finanziariamente, per tenere questo dipinto per oltre trent'anni, Matisse ne fece un punto di riferimento per l'ispirazione del suo lavoro, mostrandolo come esempio ai suoi studenti alla Acadèmie Matisse.
Il suo allievo, il pittore americano Max Weber, ha ricordato: "Il suo silenzio davanti a questa immagine era più suggestivo e più eloquente delle parole. In quei momenti un clima di entusiasmo e di venerazione riempiva lo studio". [1]
Anche se Matisse citò ripetutamente proprio l'ammonimento di Cézanne: "Attenti al maestro influente" è chiaro che Matisse ebbe un rapporto intenso e permanente con Cézanne, evidente in dipinti come la sua "Donna in blu".
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Paul Cézanne (1839-1906), Madame Cézanne sulla poltrona rossa, 1877. Olio su tela, cm x 28-9/16 22-1/16. Museum of Fine Arts, Boston; lascito di Robert Treat Paine II.
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Henri Matisse (1869-1954), Donna in blu, 1937. Olio su tela, 36-1/2 x 29 pollici. Philadelphia Museum of Art, dono della signora John Wintersteen, 1956.
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Questo ritratto rivela un attento studio di dipinti come "Madame Cézanne sulla poltrona rossa", un lavoro che vide al Salon d'Automne nel 1907 e di nuovo alla mostra retrospettiva del 1936 presso il Musèe de l'Orangerie, per commemorare il trentesimo anniversario della morte dell'artista.
Un anno prima Matisse realizza la sua "Donna in blu". Facendo suo lo stesso soggetto Matisse, amplifica i colori di Cézanne, caricando il rosso della sedia e il blu del vestito con una nuova energia e intensità che esaltano le qualità astratte dell'immagine.
Madame Cézanne, seduta nella sua gonna dipinta a strisce sottili, diventa la donna in blu di Matisse, costruita su piani di colore piatto, fluttuando apparentemente nello spazio, direttamente sulla superficie del dipinto.
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Quello che Matisse ha fatto con il colore, Lèger, a sua volta lo ha realizzato portando l'influenza di Cézanne fino ai limiti dell'astrazione. Come disse nel 1912: "Ho combattuto la battaglia di abbandonare Cézanne. La sua influenza è stata così forte che al fine di liberare me stesso ho dovuto spostare tutto verso l'astrazione".
In La Femme en bleu [The Woman in Blue]. . ."Mi sembrava di liberarmi di Cézanne". [2]
Anche in questo 'liberarsi' comunque, Lèger ha mantenuto le lezioni apprese da Cézanne.
Le sue forme audaci, i colori ed il suo appiattimento dello spazio richiamano il ritratto di Cézanne, così come il trattamento del soggetto come un oggetto inanimato, come una natura morta.
L'artista più giovane spezza le forme di Cézanne, la massa della sedia, i dettagli della gonna, e li riassembla in uno studio in astrazione che ha cambiato per sempre l'arte moderna.
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Fernand Lèger (1881-1955), Donna in blu, 1912. Olio su tela, 76 pollici x 51-1/8. Offentliche Kunstsammlung Basel, Kunstmuseum, Basilea.
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Sia Matisse che Lèger hanno tramandato l'eredità di Cézanne attraverso il loro insegnamento, guidando una nuova generazione di artisti a vedere Cézanne con occhi nuovi.
L'influenza di Cézanne si diffuse negli Stati Uniti grazie ad alcuni artisti appassionati, collezionisti e commercianti che hanno portato le sue immagini e le sue idee ritornando dai loro viaggi in Francia.
La scrittrice Gertrude Stein e i suoi fratelli erano grandi collezionisti del lavoro di Cézanne ed hanno messo i dipinti di loro proprietà a disposizione degli artisti - molti dei quali erano americani che viaggiavano o che vivevano all'estero - durante le loro esposizioni settimanali a Parigi.
Il gallerista Alfred Stieglitz ha proposto Cézanne a numerosi giovani artisti americani, con la sua prima mostra negli Stati Uniti del lavoro dell'artista francese.
Il modernismo di Cézanne fu anche promosso da un certo numero di artisti, tra cui Max Weber e Edward Steichen, che hanno incuriosito e istruito i loro colleghi artisti con i racconti in prima persona e le riproduzioni dei suoi quadri.
Marsden Hartley ha interagito con tutte queste persone, all'inizio della carriera, apprendendo la lezione di Cézanne grazie all'insegnamento di Weber e Stieglitz nel 1911.
Stieglitz, sollecitato da Hartley, inviò al giovane pittore riproduzioni in bianco e nero dei dipinti di Cézanne, tratte dal volume di Meier-Graefe, e l'artista iniziò subito a dipingere ispirandosi alle sue nature morte, senza però avere alcuna idea della sua tavolozza colori.
Quando finalmente vide di persona i dipinti dell'artista più anziano, presso la collezione Havemeyer a New York, nello stesso anno, fu colpito dalla loro intensità e si ripromise di visitare Parigi il più presto possibile.
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Marsden Hartley (1877-1943), Giovane cacciatore, ca. 1939. Olio su masonite, cm 41 x 30-1/4. Carnegie Museum of Art, Pittsburgh. Patroni Fondo Art, 44.1.2.
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Paul Cézanne (1839-1906), Uomo seduto, 1898-1900. Olio su tela, cm x 40-5/16 29-3/4. Nasjonalmuseet for Kunst, design Arkitektur og, Oslo (Il Museo Nazionale di Arte, Architettura e Design, Oslo).
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Quando Ellsworth Kelly era un adolescente, sua madre gli regalò il libro "I più famosi dipinti al mondo", a cura di Rockwell Kent. Qui Kelly trovò un'immagine di Cézanne: "Castagni al Jas de Bouffan" (1885-1886), che ritagliò attaccandola al muro, creando così un'interazione quotidiana con un lavoro che avrebbe avuto un impatto importante sulla sua pittura.
Fin dal suo primo incontro con Cézanne, Kelly ha esplorato molte delle relazioni formali istituite nei "castagni", in particolare per le tensioni tra primo piano e sfondo, superficie e profondità, spazi positivi e negativi, tutte caratteristiche che hanno fornito risorse incommensurabili per il suo lavoro.
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Un altro catalizzatore attivo per Kelly è l'uso del colore di Cézanne per creare le forme.
Cézanne ha cercato di catturare le sue sensazioni sulla natura direttamente, attraverso il colore, piuttosto che costruendo l'illusione della realtà, come se la pittura fosse come una sorta di finestra sul mondo.
In "Mont Sainte-Victoire Visto da Les Lauves" Cézanne divide la sua tela in tre bande di colore, appiattendo in modo efficace la prospettiva profonda della vista sulle montagne, portandola fino al piano del quadro, con tocchi di colore che si trovano direttamente sulla superficie del dipinto.
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Paul Cézanne (1839-1906), Mont Sainte-Victoire Visto da Les Lauves, 1902-1906. Olio su tela, cm x 25-1/8 32-1/8. Il Museo Nelson-Atkins of Art, Kansas City, Miss Acquisto, Trust Nelson. 38-6.
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Come se la pittura ardente di Cézanne venisse ridotta alle sue parti essenziali, il "Paesaggio dal treno" di Kelly è costituito da tre pannelli orizzontali monocromatici, uniti per creare un effetto di spazio e superficie simile a quello di "Mont Sainte-Victoire".
Kelly inizialmente concepì "Paesaggio dal treno" proprio guardando fuori dal finestrino di un treno in movimento, una distesa di senape che cresceva in un campo.
Il suo processo pittorico non rappresenta però un paesaggio in un modo riconoscibile, ma è la sua personale percezione della natura.
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Ellsworth Kelly (1923), Paesaggio dal treno, 1952-1953. Olio su tela (tre pannelli uniti), 44 x 44 pollici. Collezione dell'artista. In prestito all'Art Institute of Chicago.
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I piani di un colore unico di Kelly portano la sensazione di Cézanne a una conclusione estrema e a loro volta ci aiutano a vedere la pittura del maestro francese in un modo nuovo.
Attraverso gli occhi di Kelly, e di quelli di tutti gli artisti ammirati nella mostra "Cézanne e oltre", il lavoro del maestro continua a rivelare la sua complessità, ricchezza e, soprattutto, la sua rilevanza.
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[1] Max Weber, 'sulla scuola di Matisse,' conferenza tenuta al Museum of Modern Art di New York, 1951, Jack Flam, Matisse: A Retrospective (New York: Hugh Lauter Levin Associates, Inc., 1988), 101 .
[2] Claude Laugier, 'Biografia', in Fernand Lèger, EXH. cat (Madrid: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, 1997), 281.
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Last modified : January 2018
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